Kresba umenie

portréty

Kreslené portréty z 15. storočia - napríklad Pisanello alebo Jan van Eyck - sa môžu považovať za dokončené obrazové diela v koncentrácii, prevedení a distribúcii priestoru. Jasná, jemne ohraničená reprezentácia sleduje každý detail povrchu a usiluje sa o realizmus. Profil, ktorý je podrobný, je výhodný; pripomína reliéf, je podobný medailónu. Ďalej, v protiklade s čistým profilom, sa do popredia dostal trojštvrťový profil s priestorovým efektom, ktorý zostal po stáročia klasickým portrétom.

Úzka súvislosť s obrazom sa týka prakticky všetkých portrétnych kresieb 15. storočia. Aj tak silné dielo, že Dürerova kresba cisára Maximiliána vznikla ako portrétová štúdia pre maľbu. Zároveň však niektoré z Dürerových portrétnych kresieb jasne stelesňujú záverečnú fázu umeleckého podnikania, ambivalenciu, ktorú možno pozorovať aj u ďalších portrétistov 16. storočia. Diela Jeana a Françoisa Cloueta vo Francúzsku a mladšieho Hansa Holbeina vo Švajčiarsku a ešte výraznejšie v Anglicku v tom istom storočí prepožičali autonómiu portrétnej kresbe, najmä keď bola kresba dokončená kriedou rôznych farieb. Voľba mäkšieho média, kontúry, ktorá je pre celú svoju presnosť menej samostatná a jemnejšia vnútorná kresba s rovinnými prvkami dáva týmto kresbám živší, osobnejší charakter a ešte raz zdôrazňuje ich blízkosť k maľbe.

V technike polychromatickej kriedy a pastelových farbách si portrétová kresba zachovala svoju nezávislosť až do 19. storočia. V 18. storočí patrili Quentin de La Tour, François Boucher a Jean-Baptiste Chardin - všetci títo umelci z Francúzska - medzi svojich hlavných praktizujúcich a dokonca aj spoločnosť Ingres, ktorá žije v 19. storočí, stále používala svoju techniku. V pastelových maľbách portrét prevážil všetky ostatné predmety.

Pri výbere pózy, typu a prevedenia je portrétna maľba, rovnako ako iné umelecké formy, ovplyvňovaná všeobecnými štylistickými črtami epochy. Po extrémnom obrazovom postoji neskoro baroka a rokoka nasledovala v období neoklasicizmu prísnejšia koncepcia, ktorá uprednostňovala monochromatické techniky a kultivovala, ako aj osobitnú formu siluety, kresbu profilového obrysu s čiernou vyplnenou oblasťou. Tvorcovia portrétnych kresieb zo začiatku 19. storočia sa nezameniteľne zadlžovali svojim predchodcom 15. storočia, ktorých cieľom bolo opäť presné vykreslenie detailov a plastických efektov získaných pomocou starostlivo zvolených grafických médií: ich obľúbeným nástrojom bola tenká tvrdá ceruzka, a Silverpoint tiež objavili romantici.

Navrhovatelia koncom 19. a 20. storočia, ktorí sa viac zaujímajú o psychologické aspekty portrétu, uprednostnili mäkšie pastelky, ktoré ľahko sledujú každý umelecký impulz. Zabavenie charakteristických prvkov a adekvátne rovinné stvárnenie s nimi vážili viac ako realistické detaily. Prvky nálady, intelektuálne napätie a osobné zapojenie sú typickými črtami moderného portrétu, a teda aj modernej portrétnej kresby, umenia, ktoré naďalej dokumentuje umelecké remeslo nad rámec charakteristík rôznych techník.

krajiny

Už v 15. storočí dosiahli krajinné kresby dostatočnú autonómiu, takže je ťažké rozlíšiť medzi hotovou štúdiou na pozadí konkrétneho maľby a nezávislou, samostatnou načrtnutou krajinou. Už v skicároch Jacopa Belliniho z 15. storočia (zachovaných v albumoch v Britskom múzeu a Louvri) existuje úzke spojenie medzi štúdiom prírody a obrazovou štruktúrou; v štúdiu Titian v 16. storočí museli byť nákresy krajiny zobrazené ako návrhy pre obrazové pozadie.

Ale to bol Dürer, ktorý vyvinul krajinu ako spomínaný obraz a autonómne dielo, skrátka ako svoju vlastnú tému bez odkazu na iné diela. Jeho akvarely predovšetkým, ale aj kresby jeho dvoch talianskych ciest, okolia Nürnbergu a cesty do Holandska, predstavujú najskoršie čisté krajinné kresby. Predtým, ako sa takéto kresby objavili v tejto absolútnej formulácii, museli uplynúť storočia.

Krajinné prvky boli veľmi významné aj v nemeckých a holandských kresbách a ilustráciách zo 16. storočia. Obrazové znázornenie, ktoré vo väčšine prípadov stále existuje, je formálne celkom integrované do romantickej lesnej a lúčnej krajiny, najmä v dielach Dunajskej školy - napríklad Albrecht Altdorfer a Wolf Huber. Častejšie ako na iných školách sa tu nachádzajú starostlivo vykonávané prírodné výhľady. V Holandsku Pieter Bruegel čerpal topografické pohľady aj slobodné krajinné kompozície, v oboch prípadoch ako autonómne diela.

V 17. storočí prírodná štúdia a kresba krajiny, ktorá z nej vyrastala, dosiahli nový vrchol. Krajinné kresby Accademia degli Incamminati (napríklad Domenichino) kombinovali klasické a mytologické témy s hrdinskou krajinou. Francúz Claude Lorrain, žijúci v Ríme, často pracoval pod holým nebom a tvoril krajinné kresby s doteraz nedosiahnutou atmosférickou kvalitou. Tento typ kultivovanej a idealizovanej krajiny, zobrazený aj Poussinom a ďalšími Northernermi, ktorí bývajú v Ríme (nazývali sa Holanďanmi, kvôli tomu, že toľko umelcov z Holandska žilo v Ríme, ich talianske kresby dosiahli takmer éterickú kvalitu)., je v rozpore s neferoickým konceptom krajiny, ktorý je blízky prírode a ktorý v prvom rade držia Holanďania pri vykresľovaní krajiny svojej rodnej krajiny. Všetci krajinári - ich krajinné maľby, ktorá bola silne zastúpená v umelecky špecializovaných dolných krajinách - tiež vytvorili nezávislé krajinné kresby (napríklad Jan van Goyen a Jacob van Ruisdael a jeho strýko a bratranec), pričom Rembrandt opäť zaujal osobitné postavenie.: zachytil charakteristiky regiónu často iba niekoľkými údermi a vylepšil ich tak, aby získali monumentálnu výrazovú silu aj v najmenšom formáte. V Taliansku 18. storočia sa topograficky verná krajinná kresba stala dôležitou s príchodom Vedutisti, tvorcov „názorov“, ktorí sami vytvorili skupinu (medzi nimi Giambattista Piranesi a Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) a často pracovali. s takými optickými pomôckami, ako je mriežkový rám a kamera obscura. Krajinné kresby väčšej umeleckej slobody, ako aj imaginárnej krajiny, najúspešnejšie vytvorili niektorí francúzski umelci, medzi nimi Hubert Robert; obrazovo a atmosféricky dosiahli tieto témy druhé rozkvet v natiahnutej krajine takých anglických umelcov ako Turner a Alexander Cozens, ktorých vplyv siaha až do 20. storočia.

Navrhovatelia neoklasicizmu a ešte viac romantizmu pozorovali prírodu s topografickou presnosťou vzhľadom na ich silný záujem o vymedzenie. Ako nový „objav“ si romantický a hrdinsky prehnaný alpský svet v umeleckej mysli získal svoje miesto popri arkádovom výhľade na taliansku krajinu.

Kresby krajiny a ešte viac, akvarely, tvorili v 19. storočí nevyčerpateľnú tému. Francúzsky umelec Jean-Baptiste-Camille Corot a koncom storočia Cézanne a van Gogh patrili medzi hlavných tvorcov krajinných kresieb. Krajiny tvorili súčasť práce mnohých navrhovateľov 20. storočia, ale pre väčšinu storočia sa žáner ako taký dostal na druhé miesto k všeobecným formálnym problémom, v ktorých sa s témou zaobchádzalo len ako s východiskovým bodom. Počas posledných 30 rokov 20. storočia sa však k americkému zastúpeniu vrátilo veľké množstvo amerických umelcov, ktorí ako predmet reinvestovali do krajiny.

Obrázkové kompozície a zátišie

V porovnaní s hlavnými témami autonómnej kresby - portrétovania a krajiny - všetky ostatné majú menšiu dôležitosť. Figúrové kompozície do značnej miery závisia od maľby ich času a sú s ňou často priamo spojené. Iste, boli to umelci, ktorí sa vo svojich kresbách zaoberali témami monumentálnej maľby, ako napríklad rytec 17. storočia a lept Raymond de La Fage; vo všeobecnosti je však umeleckým cieľom zloženia figúry obrázok, pričom kresba predstavuje iba užitočnú pomôcku a stanicu na ceste. Žánrové scény, zvlášť populárne v dolných krajinách 17. storočia (napríklad Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade a Jan Steen) a vo Francúzsku a Anglicku v 18. storočí, dosiahli nezávislosť. Aj v 19. storočí existovali kresby, ktoré rozprávali príbehy každodenného života; často majú ilustračný charakter, môžu sa nazývať „malé obrázky“, a to nielen z dôvodu často viacfarebného formátu, ale aj z dôvodu ich umeleckého vyhotovenia.

Zátišie si môžu tiež nárokovať autonómne kresby, najmä reprezentácie kvetín, ako napríklad holandského umelca Jana van Huysuma, ktorý je populárny už od 17. storočia. Aj tu platí, že dobre navrhnuté usporiadanie transformuje okamžitú štúdiu prírody do obrazovej kompozície. V niektorých z týchto skladieb je podobnosť s obrazom veľmi výrazná; napríklad pastely umelca Odilona Redona z 19. a 20. storočia alebo dielo nemeckého expresionistu Emila Nolde 20. storočia s chromatickou intenzitou presahujú úplne deliacu čiaru medzi kresbou a maľbou. V zátišiach, rovnako ako v krajinách, sú pre moderných umelcov dôležitejšie autonómne princípy formy ako faktické vyhlásenie.

Fantastické a nereprezentatívne kresby

Výkresy s imaginárnymi a vymyslenými témami sú viac nezávislé na vonkajšej realite. Tradičné témy boli zjavenia snov, metamorfózy a prepletenie samostatných úrovní a oblastí reality. Fantázmagorické diela Hieronyma Bosch z konca 15. storočia sú prvotným príkladom. Existujú alegorické sedliacke scény flámskeho umelca 16. storočia Pietera Bruegela a karnevalové leptania francúzskeho umelca Jacquesa Callota zo 17. storočia. Medzi ďalšie diela, ktoré ilustrujú, čo sa dá urobiť s kresbou mimo krajiny a portrétovania, patria: taliansky rytec Giambattista Piranesi z 18. storočia, anglosaský umelec 18. storočia Henry Fuseli, anglický ilustrátor Walter Crane z 19. storočia, francúzština 19. storočia Symbolista umelec Gustave Moreau a surrealisti 20. storočia.

Nereprezentatívne umenie so znížením základných prvkov kresby - bod, čiara, rovina - na čistú formu, prinieslo nové výzvy. Zrieknutím sa asociatívnych telesných a priestorových vzťahov získava rozvinovanie rozmerov kresby a štruktúry rôznych médií nový význam. Grafické vlastnosti priamky v rovine, ako aj neoznačenej oblasti, sa už zdôrazňovali už v minulosti - napríklad v jaskyniach Giuseppe Arcimboldo v 16. storočí (fantastické alebo fantastické reprezentácie ľudských a živočíšnych foriem sa často kombinovali s navzájom prepletené so znázornením listov, kvetov, ovocia a podobne) a v kaligrafických cvičeniach, ako sú moresky (silne štylizovaný lineárny ornament na báze listov a kvetov) - ale väčšinou ako tlačiarenské alebo gravírovacie modely pre najrôznejšie dekoratívne úlohy (výzdoba interiéru, nábytok, náčinie, šperky, zbrane a podobne).